if there is no support system to guarantee reliable distribution, the work dissapear
Paul Garrin
(R)EVOLUTION
Gathered by the wayside:
Ole Henrik Hagen’s processual visualization of hidden pictorial worlds
“A particular selection of things observed, a registration of insignificant facts through which the real objects are gradually transformed: they become the backdrop before which suddenly another sense may manifest itself.”[i]Paul Virilio: The Aesthetics of Disappearance (1980)
In his works, Ole Henrik Hagen investigates the stories that are hidden in the phenomena of everyday life. His interest is focused upon the discarded, cast-off, and forgotten objects, which are to be found at the roadside in various cities in the world, ranging from Hamburg to Marseille and from Palermo to Beijing. He is equally fascinated by peculiar second-hand items: objects in which former life has inscribed itself. Toy and cartoon figures, trinkets, stuffed animals, and other biomorphic, non-animated beings are at the center of his continuously growing repository of motifs. In his paintings, these take on a peculiar, autonomous existence, oscillating between familiar and alien, vulnerable and uncanny.
Apart from photo-paintings (a technique the artist has developed, where he paints directly on the canvas with photo emulsion, reworking the compositions with acrylic paint after the motifs have been exposed), Hagen’s multi-strand aesthetic practice encompasses photography, drawings, and wall objects. A connecting principle is the poetic, associative, fragmentary documentation of concealed and overlooked aspects of reality. At the same time, interrelationships between the found objects are made palpable here, where temporal or territorial boundaries are transcended. In the course of the pictorial transposition, the subjects become free-floating, place- and timeless ‘agents’, which serve to catapult traces of the past into the present, making these effective in the here and now.
The Norwegian artist, who has been residing in Hamburg for a number of years, started out with this specific method of examination in the series Lost Objects in connection with a grant, which took him to Palermo in 2004. This was succeeded by the project Merry-Go-Round, which he began to work on in Beijing in 2006. The motifs accumulated in photographs and drawings in Sicily and in China, in Hamburg, Vienna, and in other urban spaces are constantly expanded in Hagen’s open archive through subjects from other (pop-) cultural and local contexts: a pictorial vocabulary from which the artist continues to draw inspiration.
Many of the subjects appear in his works repeatedly, but change over time through recontextualizations, new confrontations, and aesthetic transformations. They are like abbreviated symbols, standing for memory, for the retrieving and preserving of what has been forgotten, for the realms of dreams, which underlie reality as its darker side, for what has been lost and found, all of which is preserved from obliteration in the artist’s work. In addition to this, Hagen integrates verbal and visual objets trouvés, verbal and pictorial quotes, extending from art-historical references to philosophical or film-dialogical comments from a multitude of sources: among these a Norwegian book on paranormal phenomena from the early 1960’s, old magazines, an encyclopedia of human developmental history, children’s books, or Ludwig Wittgenstein’s Tractatus from 1922.A pivotal aesthetic aspect in Hagen’s compositions is the dual conjunction and organization of the elements that are derived from various contexts. Usually, the artist works with the confrontation of two pictorial motifs, which in his diptych-like works on paper are also often conceived as a
juxtaposition of two separate drawings. In his scenarios, the figure of a toy dog perceived and photographically captured in China, for instance, encounters a reinterpreted scientific diagram on the topic of evolution. The artist equally incorporates the isolated element of an ectoplasm manifestation, extracted from a photograph that was taken on the occasion of a theosophical séance, the fragmentary representation of an acrobatic performance carried out at a promotional event in Beijing, or a figure from Roy Lichtenstein’s cartoon cosmos, including a speech bubble containing words that he found on the photo of a wall in the room of a haunted house in England: “I cannot understand. Tell me more.”
Sometimes the subjects are rendered as photographic fragments, sometimes as drawn or painted components, which have been reduced to their contours. In Hagen’s cross-media montages, a dialectical reaction takes place
between elements that initially appear disparate, the synthesis of which finds expression in the individual works’ iridescent, multi-layered, and multifarious impact. In the sense of the Surrealist painter René Magritte in these even “the familiar things […] are united or transformed in such a way that, when we see them in this manner, we must acknowledge that there is something else, something non-familiar that reveals itself to us simultaneously with the familiar objects.”[ii]With this, the artist draws upon (post-) Surrealist procedures of composition: the confrontation of the disparate in “surprising encounters of various realities,” which Uwe M. Schneede already sees incorporated in the urban clash of the manifold forms of commercial presentation and advertising at the early stages of consumer society. As he points out, “The surprising encounters are inherent in reality itself; they merely need to be discovered and experienced […]. Thus, surreality is also a question of the perception of an extended reality.”[iii] In this respect, Ole Henrik Hagen generates an extended reality in his ongoing work-in-progress, which proceeds as a kind of field research with artistic means, making perceptible the strange, the surprising, and the hitherto unseen, or ignored.
Presently, the artist is increasingly engaged in translating techniques from the field of drawing into the realm of painting, in the process employing “painterly” surfaces such as canvas or wood instead of paper, and partly also sculptural vehicles such as light tubes. Here, not only are the objects retrieved from the daily flow of disappearance and oblivion, and thus “saved” into the work of art. The per se ephemeral, sketchy medium of the drawing is given substance and solidity through the consciously chosen, haptic materiality of the pictorial medium. In this manner, a state of suspense is created between elusiveness and permanence, dissolution and manifestation, presence and absence, in which the parameters of our existence are rooted. Apart from the interplay of contrasts, the particular dialectic of the artist’s approach envelops the paradoxical conflation of revealing and concealing. The latter manifests itself in various forms of blurring, overpainting, and superimposing. Yet again, these serve to direct the viewers’ attention to what is hidden behind them.
Belinda Grace Gardner
Landskap
altså, vi gikk inn her og her, ble vi norske, hvorfor holdt vi ikke ut, her, inne
sarp sarp suset som sang sirr sluser
raske strøk farer over flaten gir den flere lag lag på lag
bildet før bildet minnet før minnet et bilde som
ble
sittende fast i minne
om en barndom som var
før det som er nå
ja det som er nå
som igjen er bilde av et bilde
som var
et minne
som blir sett
min barndoms hage: kveke skvallerkål vassarve, kløverblad gresstrå prestekrager, nellik myrt valmuer, blåbærlyng fred1øs småstein, einer rogn lupiner
lakk glans, fotografiet får strøk av uvirkelighet, slør over bær bungende fruktig fyllte av saft, trestammene renner ut av bildet, han slendrer bort til cafe jenseits og tenker, ku krydder og kratt, skaI han innom den tyrkiske tobakksbutikken, I DAG OGSÅ, han setter seg på en trebenk i sola, beina får klover, hinne eksos byluft, glitter på bjørkebladene, dersom det hadde blitt noe av denne trollbilen, troll for to personer, for to personer og to barn, rødlig fiolett, metallisk gult skimmer
pendel ei klokke
fart stoppet av runde punkt punkt
satt på punkt
som fører noe over til noe og over og vekk
fra noe til
regn glitter og gr0nne dråper
glitrende som tapet i et vellykket hjem
kanskje, tilfeldigheten bare blir sånn altså, det er bare å glemme, det hukommelse ?
Tone Avenstroup, berlin mai 99
Von der Dunkelheit im Hinterkopf
Alchemie – Chemie – Photochemie
Vorgängebeim Sehen .
Entsteht ein Bild oder wird es erzeugt?
Malerei ist eine Tätigkeit an der Grenze zwischen Darstellung von Realität und Schaffung von Realität.
Was ist im Hirn, was ist in der Hand und was auf der Leinwand?
OIe Hagen malt mit lichtempfindlicher Emulsion und mit Eitempera, ebenfalls einer Emulsion.
Das Malen mit lichtempfindlichen Mitteln geschieht in der Dunkelheit seines Ateliers. Er imitiert mit seinem Pinsel den elementaren Vorgang eines photomechanischen Abbildungsprozesses und findet auf diesem Weg zur Malerei: einer ursprünglichen, elementaren Malerei im Umgang mit Licht und Dunkelheit.
Entsprechend logisch scheint mir auch die Verwendung von Gold und Silber, ebenso das Malen mit Schellack, Russ und Rot. Was wird aus diesen Substanzen? Nichts. Nur Spuren bleiben übrig, die sie nach des Malers Gutdünken auf der Leinwand hinterlassen. Also liegt in OIe Hagens Malerei das Geheimnis nicht in der Rezeptur der Farben. Vielmehr ist es der Entstehungsprozess der Bilder selbst, der auf ähnliche Weise wie die faszinierend- geheimnisvollen und komplexen chemischen Vorgänge im Hirn die Welt für uns sichtbar macht.
OIe Hagen scheint diesen Vorgang nach aussen hin, zur Leinwand, umzukehren – mit oftmals verblüffend wirklichen Ergebnissen.
Renato Oggier
Zur Ausstellung „Phantastisches Aquarium“
von Ole Henrik Hagen in der Galerie Renate Kammer
Eröffnung 20. September 2007 19 Uhr
Zur Ausstellung „Phantastisches Aquarium“ von Ole Henrik Hagen
Wer kennt nicht diese kleine Enttäuschung, die sich einstellt, wenn der vormals schillernde Farbglanz eines am Meeresstrand gesammelten Steines an der Luft langsam verschwindet.
Der Feuchtigkeitsfilm bringt die Farben zum Vorschein, trocknend verliert das Objekt seinen Glanz, seine Strahl- und somit auch seine Anziehungskraft.
Vergleichbar mit den liquiden Farbintensitäten der Unterwasserwelt, ist die ephemere Farbkraft der Blüten, auch ihr schnell vergängliches Leuchten ist mit dem stetigen Zufluss von Feuchtigkeit verbunden. Beide Phänomene aufglühender Farbintensität sind den dahinter liegenden, dunklen Räumen des Vergänglichen abgetrotzt und taugen daher als Methapher für alles Lebendige.
Die neuen Arbeiten des norwegischen Künstlers Ole Henrik Hagen überführen das oben beschriebene Sujet: Fische /Blüten, als Träger stärkster Farbigkeit, in das Medium der, am Computer bearbeiteten Farbfotografie. Ein Medium, das, oft zu Recht, wegen seiner Oberflächen Glätte kritisiert wird.
In diesem Fall jedoch findet die Auswahl des Sujets ihre einleuchtende Entsprechung in der Wahl des Mediums. Der liquide anmutende Oberflächenfilm der Farbfotografie korrespondiert auf fast illusionistische Weise mit der Glasscheibe, die den Raum eines Aquariums von seinem Umraum trennt. Vor den undefinierbaren Tiefen des dunklen Hintergrundes werden die Formen und Farben der Fische oder auch Blüten gleichsam an die Bildoberfläche katapultiert.
Wenn Farbgebung auch ein kulturelles Phänomen ist, so ist es wichtig zu wissen, dass alle Aufnahmen für diese Ausstellung während eines dreimonatigen Aufenthalts Ole Henrik Hagens in China 2006 /07 hergestellt worden sind, einem Land, das die starken Farben liebt.
Neben dem allgegenwärtigen, Glück bringenden Rot, verwendet man dort Farben und Farbkombinationen, die in unseren Augen eher ungewohnt wirken, im skandinavischen Farbkanon jedoch schon seit langem zu finden sind ( z.B. Mari Mekko, skandinavisches Design).
So hat das Vertraute im Fremden einen Widerhall gefunden und kehrt in den Bildern der Ausstellung „phantastisches Aquarium“ von Ole Henrik Hagen auf ebenso phantastische Weise verwandelt zu uns zurück.
Dyptische Zeichnungen
In der Art flüchtig gezeichneter Gedankenprotokolle scheinen die in den letzten 7 Jahren entstandenen Zeichnungen Ole Henrik Hagens spontan auf sehr persönliche innere Befindlichkeiten und Wahrnehmungen aus der Umwelt zu reagieren. Sie dokumentieren den Blick des Künstlers, der einem Suchenden gleich, sich vorsichtig tastend, bisweilen spielerisch experimentierend seinen Motiven nähert.
Die Arbeiten wachsen allmählich über längere Zeiträume in wiederkehrendem Prozeß. Zeichnungen, die im Studio, auf Reisen, in Bars etc. enstehen, werden gesammelt , sorgfältig sortiert nach Größe, Farben, verwendeten Materialen und Motiven. Aus dem so entstandenen Konvolut werden zwei Blätter zueinander gestellt; nicht zwingend als Gegensatzpaare oder Gleichnisse. Die Bilder können Metaphern sein, die linear gelesene Kommunikationskreise sind. Gegenständliche Motive wie Kopf, Bett, Tasse, Krug erscheinen klar umrissen wie Logos, Gegenstände werden somit zur Chiffre; der Bildaufbau folgt einer scheinbar festen Struktur.
Ole Henrik Hagen organisiert seine Blätter einerseits in streng getrennten Ebenen, nebeneinander, bzw. in Übereinanderliegenden Arbeiten, andererseits greifen die Werke ineinander. Der Betrachter sieht neben gegenständlichen Motive abstrakte Lineaturen,geometrische Formen, Molekularstrukturen, Kinderzeichnungen, allesamt miteinander verschlungen und vernetzt. Aus Bildfragmenten werden prägnante Symbole, die an archaische Zeichen erinnern. Jedes Blatt hat seine eigene interessante Prozeßgeschichte. Ole Henrik Hagen verwendet ölgetränktes Papier, Pappen, farbige Karteikarten, alte Skizzenblöcke, Drucke, Texte und Photos. Für gewöhnlich wird das Material in der vorgefundenen Fassung verwertet. Teilweise ändert er dessen Form und Größe; Zerschneidet, zerreist, fügt aneinander, klebt übereinander, stellt gegen-und zueinander. Die Oberflächenspuren der Materialgrundlage und die Zeichen des Gebrauchs werden zu wesentlichen Bestandteilen, bisweilen sogar Ausgangspunkt neuer Zeichnungen. Der Künstler arbeitet mit Öl, Ölfarben, Wachskreiden, Tinte, Bleistift oder Schellack; flexibel und abhängig von einer augenblicklichen Stimmung.
Die neu entstandenen Blätter verbinden Zeichnungen teils auch mit gefundenen oder selbstkomponierten Wörtern. Dinghaftes und sprachliches Treibgut erscheint hier vereint. Über das Bild hinweg findet sich eine Spur der Worte als Meta-Ebene zunächst rätselhafter Art. Flüchtig betrachtet könnte man die nummerierten, mittlerweile 2635 Arbeiten als eine Text – Bild – Assemblage erfassen. Der zweite Blick auf die Arbeiten macht jedoch deutlich, daß Worte hier nicht einfach Zeichnungen erklären oder umgekehrt. Sprache und Zeichnungen stehen in den Arbeiten von Ole Henrik Hagen in einem spannungsreichen Gleichgewicht. Die Zeichnung als Träger der Sprache bekommt eine andere Qualität, bzw. geistige Dimension.
Sprachspiel. Die Poesie der Worte wird manipuliert durch das Bild, das Gefühl, einen Zusammenhang, eine eindeutige Beziehung finden zu wollen. Versucht man allein das Wort zu lesen in seiner abstakten Begrifflichkeit als „Überschrift“, „ Inschrift“, oder „Aufschrift“, erscheint es losgelöst von der Zeichnung, die dennoch bewusst mit Sprache kombiniert wurde. Eine Annäherung an die Worte kann erfolgen, indem man Sie als Code oder Chiffre versteht, sie ihrem herkömmlichen Sinn entzieht und in eine lineare Beziehung zu der Zeichnung setzt.
Bei systematischer Betrachtung erweisen sich inhaltliche Korrespondenzen zur Dichtung Paul Celans. Begriffe aus dem Werk Celans tauchen gelegentlich auf, ohne die Arbeiten Ole Henrik Hagens zu dominieren. Vielmehr scheint sich durch die mehrfache Integration von Elementen und Metaphern Celanscher Sprechweise seine Arbeitsmethode zu erklären.
Die verwendeten Begriffe sind deshalb nicht nur denotativ in ihrer ursprünglichen Begrifflichkeit zu deuten, sondern können ebenfalls in ihrer assoziativen, emotionalen und stilistischen Bedeutungsebene erfaßt werden. Die Sinneinheit und Sinnkohärenz der Bild-Worte lassen sich konsequenterweise innerhalb des Kunstwerkes dechiffieren werden. Die Worte setzen „ Sprachgittern“
gleich Bezüge, zum Teil undurchsichtige Verweise auf biografische Ereignisse, auf eigene Werke oder andere ästhetische Objekte. Sie lösen sich aus ihren festgelegten Zwängen und erleben im Zusammenhang mit den Zeichnungen Methamorphosen ihrer Deutung. Die Bilder geben den Worten Raum für einen jeweils neuen und spezifischen Kontext-Freiraum, einen anderen Ausdruck zu entwickeln
Die Bilder lösen sich von ihrer imitierenden Funktion, werden in Beziehung zur Sprache schöpferisch, teils poetisch. Die entstandenen Bild – Text – Serien unterliegen einer Art melodischem Rythmus – sich wiederholende Motive, Farben, Materialien ermöglichen unterschiedliche Lesearten. Die Spannungen zwischen den Ebenen, den Zeichnungen und den Sprachspielen werden zunehmend intensiver, die Grenzen immer mehr hinterfragt, bis die Bild – im – Bild Struktur fast überwunden zu sein scheint.
Es bleibt deutlich sichtbar das dialektische Prinzip der Arbeiten, das darin besteht, aus dem Widersprüchlichen eine faszinierende Einheit zu bilden.
PETRA SCHMIDT
Lambretta
Kan Lambretta betegnes som en avantgarde kunstnergruppe. Ja og nei, begrepet avantgarde er vel et begrep som ble benyttet en del, om kunstnere / grupper som var aktive før andre verdenskrig altså før vi ble født(og gjerne med ett programmatisk innhold),( e. Evensen må kanskje kalles for et krigsbarn) og for meg har det en litt gammelmanns litt seig smak. Avantgarde fortropp, noen som går i spissen, Lambretta lagde installasjoner som var nyskapende, vi satte sammen forskjellige medier til ett nytt stort hele, lyd, lys, bevegelige objekter, vann, is, natur, vi brukte de elementene som vi hadde til disposisjon og de var også tildels stedbundne, billige materialer i de fleste tilfellene, ting vi fant, kasta juletrær, eltemaskiner i Lakkegata, gamle vaskemaskinmotorer osv. Dette er nærmere arte povera enn avantgarde, det som er interessant er måten vi satte disse elementene sammen på, vi brukte elementer av bilder, film lys osv. og det var det ikke så mange som gjorde på den tiden (egentlig ingen). I dag lages det massevis av installasjoner som benytter seg av forskjellige medier, men det helt avgjørende med Lambretta var samarbeidet, ting oppstod ett sted i gruppa og kom ut igjen et annet sted. I så måte var vi en kommunistisk gruppe, og helt unik, selv om ideen oppstod i gruppa var det Survival of the fittest, altså mer diktatur enn demokratie…..kom ikke ideen over dør terskelen var den død. Spesielt var også at vi hadde forskjellige forbilder i litteratur, musikk og billedkunst men helheten/ summen var mer enn den enkelte del og da er vi landet i fysikken. Med andre ord var vi totalt avantgarde, men det interesserte oss ikke idet hele tatt. Og i så måte ikke avantgarde, vel hadde vi også et manifest se diverse sitater…men vi var ikke på død og liv avantgardistisk, tror ikke noen av oss tenke på det i det hele tatt, vi var en alien, en hybrid form, ett flerarmet vesen som oppstod på planeten Lakkegata og døde noen år senere av for lav takhøyde, og hvis du spør Svein Christiansen eller andre fra den tiden var det som å møte veggen når fortoppen stilte opp i forskjellige møter. Altså var vi avantgarde, men det er litt kjedelig begrep, blant annet for det er et militaristisk begrep og vi var alle pasifister (med unntak av Erik og Jon Arne og det var jo en tredje del av gruppa, altså er det her problemer igjen), og vi likte alle veldig godt når et par F 16 fløy over Femunden i 100 meters høyde og du så bare den glødende bakdelen på dem og rett etter drønnet av flyene. En ganske god beskrivelse av Lambretta, mange bekker små gjør en stor å, eller en glødende masse som er nødt til å eksplodere, og her er vi uten å ville det helt frem i nåtiden eller astrologien (fremtidsvisjoner) som en kjerne reaktor som er på vei til nedsmelting og til slutt eksploderer og sprer en masse farlige stoffer ut over et stort område bortsett fra at Lambretta ikke greide helt å komme opp i denne ligaen, nedsmeltingen og eksplosjonene var der, men ettervirkningene vel de var i lufta og har kanskje gjort sitt til at andre ble smittet uten at noen har merket det, altså var vi egentlig en subversiv under(liv)grunns gruppe, som ved nærmere studier av E. Ballos bilder fra den tiden er helt tydelig uten å være helt tydelig, tingene er det de er og allikevel er de det ikke, her er vi inne på ett nytt felt nemlig filosofien. (Descartes). Gud er dø men lever i beste velgående ok det er mere Nitze, eller Lambretta. Tegnene er av å til vanskelig å tyde, men det er klart at egentlig var Lambretta en visjonær gruppe, med en ikke bare i verkene helhetlig humanistisk filosofi, men til og med egentlig en mystisk hvis ikke mytisk gruppe som ikke står tilbake for Nostradamus visjoner.
Ole Henrik Hagen
